viernes, 17 de junio de 2016

LIBROS DE DISEÑO GRÁFICO PARTE 20


Muy interesante recopilación de Libros de diseño Gráfico para que descarguen 
gratuitamente, vienen en formato PDF y descarga directa.

Siempre deberíamos tener un libro que nos gustara mucho para leerlo en nuestros tiempos libres, ya que leer sobre temas muy relacionados con los que nos apasiona o con el área en que trabajamos ayuda a educarnos intelectualmente, hace que nuestro cerebro empiece a analizar y reflexionar creando en nosotros un pensamiento conceptual y de análisis sobre las temáticas de diseño que nos apasionan.


96) Libro pequeño diccionario del diseñador
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97) Libro educación visual, conceptos básicos para diseñadores
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98) Libro el gran libro de dibujo
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99) Libro así se pinta con lápices de colores
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100) Libro teoría y practica del color
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miércoles, 15 de junio de 2016

LIBROS DE DISEÑO GRÁFICO PARTE 19


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91) Libro tipografía decorativa
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92) Libro diseñar con y sin retícula – Timothy Samara
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93) Libro la impresión y sus secretos
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94) Libro el mensaje fotográfico
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95) Libro diseño y comunicación visual
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lunes, 13 de junio de 2016

LIBROS DE DISEÑO GRÁFICO PARTE 18


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86) Libro anatomía artística del hombre – arnould
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87) Libro taller de las artes y dibujo
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88) Libro esbozar y dibujar
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89) Libro modos de dibujar retratos
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90) Libro los secretos del lettering
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sábado, 11 de junio de 2016

LIBROS DE DISEÑO GRÁFICO PARTE 17


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81) Libro fundamentos del diseño 2d y 3d – Wucios Wong
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82) Libro diseñar tipografía – Karen Cheng
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83) Libro recetario del diseño gráfico
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84) Libro los carteles su historia y su lenguaje
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85) Libro Signos Símbolos Marcas Señales – Adrian Frutiger
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jueves, 9 de junio de 2016

LIBROS DE DISEÑO GRÁFICO PARTE 16


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76) Libro modelos y teorías de la comunicación
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77) Libro geometría descriptiva
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78) Libro Los elementos del diseño – Timothy Samar
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79) Libro diseño audiovisual – Rafael Rafols y Antoni Colomer
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80) Libro manual de fotografía
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martes, 7 de junio de 2016

LIBROS DE DISEÑO GRÁFICO PARTE 15



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71) Libro taller de ilustración avanzada
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72) Libro de retículas
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73) Libro de pre prensa digital
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74) Libro de retoque digital
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75) Libro el pequeño sabelotodo sentido común para diseñadores
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domingo, 5 de junio de 2016

LIBROS DE DISEÑO GRÁFICO PARTE 14


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66) Libro de diseño gráfico y comunicación
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67) Libro todo lo que necesitas saber sobre mockups
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68) Libro manual de diseño editorial
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69) Libro la esquemática
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70) Libro percepción del diseño
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viernes, 3 de junio de 2016

LIBROS DE DISEÑO GRÁFICO PARTE 13


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61) Libro packaging para diseñadores
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62) Libro teoría conceptual
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63) Libro diseño y desarrollo de marcas
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64) Libro taller de ilustración gráfica
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65) Libro de diseño editorial
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miércoles, 1 de junio de 2016

LIBROS DE DISEÑO GRÁFICO PARTE 12


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56) Libro de semiótica
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57) Libro no te creas una palabra
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58) Diccionario de Diseño
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59) Libro animación bidimensional
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60) Libro metodología del diseño
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lunes, 30 de mayo de 2016

LIBROS DE DISEÑO GRÁFICO PARTE 11


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51) Libro historia del renacimiento XVII
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52) Libro técnicas de bocetaje
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53) Libro creatividad aplicada al diseño
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54) Libro best of packaging japan
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55) Libro de creatividad publicitaria online
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LIBROS DE DISEÑO GRÁFICO PARTE 10


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Siempre deberíamos tener un libro que nos gustara mucho para leerlo en nuestros tiempos libres, ya que leer sobre temas muy relacionados con los que nos apasiona o con el área en que trabajamos ayuda a educarnos intelectualmente, hace que nuestro cerebro empiece a analizar y reflexionar creando en nosotros un pensamiento conceptual y de análisis sobre las temáticas de diseño que nos apasionan.


46) Libro 20 reglas para un buen anuncio
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47) Libro desarrollo del pensamiento creativo
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48) Libro Laboratorio de Fotografía a Color
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49) Libro taller de diseño del color
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50) Libro de postprensa
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LEYES DE LA GESTALT

Las leyes de la Gestalt son unas reglas que explican el origen de las percepciones a partir de los estímulos. Fueron establecidas por el psicólogo Max Wertheimer y sus partidarios, en el contexto de la línea de investigación de la escuela alemana de la psicología de la Gestalt.
Las leyes de la Gestalt apoyan el principio de que el todo es algo más que la suma de sus partes, idea que desde principios del siglo XX intentó sustituir a la de que la sensaciones son el resultado de la simple suma de percepciones individuales.


Existen 13 leyes:
1.      LEY DE LA TOTALIDAD: El todo es más que la suma de sus partes.
2.     LEY DE LA ESTRUCTURA: Una forma es percibida como un todo, independientemente de    las partes que la constituyen.
3.    LEY DE LA DIALÉCTICA: Toda forma se desprende sobre un fondo al que se opone. La      mirada decide si “x” elemento pertenece a la forma o al fondo.
4.    LEY DEL CONTRASTE: Una forma es tanto mejor percibida, en la medida en que el contraste entre el fondo y la forma sea más grande.
5.     LEY DEL CIERRE: Tanto mejor será una forma, cuanto mejor cerrado esté su contorno.
6.     LEY DE LA COMPLECIÓN: Si un contorno no está completamente cerrado, el espíritu tiende a cerrarlo.
7.  NOCIÓN DE PREGNANCIA: El concepto "pregnancia" se relaciona, también, con la idea de "impregnación". Es decir, aquello con lo que nos quedamos "impregnados" cuando miramos.
Es la forma cargada de información, la fuerza de la forma, es la dictadura que la forma ejerce sobre los ojos.
8.      PRINCIPIO DE INVARIANCIA TOPOLÓGICA: Es la rama de las matemáticas dedicada al estudio de aquellas propiedades de los cuerpos geométricos que permanecen inalteradas por transformaciones continuas.
Una buena forma resiste a la deformación que se le aplica.
9.    PRINCIPIO DE ENMASCARAMIENTO: Una buena forma resiste a las perturbaciones a las que está sometida.
10. PRINCIPIO DE BIRKHOFF: Una forma será tanto más pregnante, cuanto mayor sea el número de ejes que posea.
11.  PRINCIPIO DE PROXIMIDAD: Los elementos aislados, pero con cierta cercanía tienden a ser considerados como grupos.
12. PRINCIPIO DE MEMORIA: Las formas son tanto mejor percibidas cuanto mayor sea el número de veces presentadas…
       13. PRINCIPIO DE JERARQUIZACIÓN: Una forma compleja será tanto más pregnante en cuanto              la percepción esté mejor orientada: de lo principal a lo accesorio (jerarquizadas).

sábado, 28 de mayo de 2016

BROCHURE


Brochure es toda aquella folletería que sea propia de una compañía y que la represente. El brochure abarca desde trípticos publicitarios de un nuevo producto o servicio que su compañía ofrezca hasta las carpetas de presentación de proyectos que circulan de manera interna o externa. Es decir, el brochure abarca casi todo el material impreso propio de una empresa y cada uno de los diferentes tipos de brochure debe ser diseñado de manera diferente. Es diferente el criterio que se deba adoptar a la hora de hacer el diseño para una carpeta de presentación de proyectos interna que para una que circule de manera externa a su compañía.



El brochure desempeña tres funciones:

FUNCIÓN INFORMATIVA: 

es muy usual utilizar el brochure para informar al público acerca de algún aspecto de su compañía. La información puede ser referida a presentar a su compañía, algún nuevo producto o servicio que ésta ofrezca, una reciente modificación en su nombre, etc.

FUNCIÓN PUBLICITARIA:

 el brochure es una importante herramienta de marketing y es un excelente medio para promover uno o varios productos o servicios que ofrezca su compañía de manera atractiva. El aspecto publicitario del brochure será tratado con más detalle en la sección llamada Aspecto publicitario.

FUNCIÓN IDENTIFICADORA: 

un buen diseño de brochure permite mantener un criterio a través de los diferentes brochures que encargue su compañía. Este criterio (llamado muchas veces “concepto”) unificado a lo largo de los diferentes brochures permite a quien los reciba reconocer automáticamente de qué compañía se trata y es una manera de presentarse ante el público que le otorga a su compañía un alto grado de prestigio y credibilidad. En el brochure es vital que no sea únicamente el “concepto” lo que identifique a su compañía sino primeramente el Logo de la misma: un adecuado diseño de Logo es vital para cualquier compañía, es la piedra fundacional de toda la estructura publicitaria.
El brochure es uno de los factores decisivos para la conformación de su imagen corporativa. Para que la función identificadora del brochure funcione con eficacia, usted junto con la compañía que contrate para la realización del diseño del brochure de su compañía deberán elegir el formato adecuado del brochure; es decir, las características morfológicas que éste presente. Mientras que un brochure publicitario puede constar de varios colores muy llamativos y tipografía grandes, esto no es conveniente para la presentación e un proyecto que debe ser más sencillo, austero y formal. Y, en o que se refiere específicamente al aspecto morfológico, no es lo mismo presentar un proyecto en un tríptico que dentro de una carpeta con solapa que lleve el nombre de su compañía y del proyecto, por ejemplo. No es que uno sea correcto y el otro no lo sea, simplemente se debe estar atento a las conveniencias de uno y otro formato para maximizar los beneficios que éste presente.

Resumiendo, lo que usted debe considerar a la hora de planear un brochure es lo siguiente.
Pensar cuál será su objetivo. Cuál será la función del brochure.
Destacar la función que le corresponda entre función informativa, publicitaria e identificadora.
Constatar que las funciones que no sean la primaria estén también presentes en el brochure aunque en segundo grado de importancia.
Elegir el formato óptimo para que su brochure trasmita correctamente el mensaje que se desea.

LIBROS DE DISEÑO GRÁFICO PARTE 9



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Siempre deberíamos tener un libro que nos gustara mucho para leerlo en nuestros tiempos libres, ya que leer sobre temas muy relacionados con los que nos apasiona o con el área en que trabajamos ayuda a educarnos intelectualmente, hace que nuestro cerebro empiece a analizar y reflexionar creando en nosotros un pensamiento conceptual y de análisis sobre las temáticas de diseño que nos apasionan.


41) Libro fundamentos del diseño
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42) Libro diseño editorial por computadora
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43) Libro dos logos
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44) Libro diseño de envases
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45) Libro el ABC de la bauhaus y la teoría del diseño

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COMUNICACIÓN VISUAL

La comunicación visual es comunicación a través de un medio visual y se describe como la transmisión de ideas e información en formas que se pueden percibir total o parcialmente con la vista. La comunicación visual se suele presentar o expresar en imágenes bidimensionales, e incluye: carteles, tipografía, dibujo, diseño gráfico, ilustración, diseño industrial, publicidad, animación, color y recursos electrónicos. Contempla también la idea de que un texto cuando va acompañado de un mensaje visual tiene un mayor poder para informar o persuadir a una persona o audiencia.
La comunicación visual hace referencia al conjunto de elementos gramaticales y sintácticos que operan en cualquier imagen visual. De igual manera puede definirse como un sistema de comunicación que utiliza las imágenes como medio de expresión, es decir, transmite mensajes visuales.




















LENGUAJE VISUAL

Podríamos entender por lenguaje visual, al conjunto de principios que rigen las imágenes y que pueden ser de gran utilidad a quienes las producen por lo tanto se le puede definir como un sistema de comunicación que utiliza las imágenes como medio de expresión, es decir, transmite mensajes visuales.

TIPOS DE CLASIFICACIÓN

Según la finalidad que se pretenda al transmitir el mensaje podemos distinguir tres clases distintas de lenguajes visuales:
Lenguaje visual objetivo: es el que transmite una información de modo que posea sólo una interpretación. Por ejemplo, un dibujo científico.
Lenguaje publicitario: su objetivo es informar, convencer y/o vender es parte esencial de la mercadotecnia detrás de un producto
Lenguaje artístico: posee una función estética, por encima de otras


CARACTERÍSTICAS DE LA COMUNICACIÓN VISUAL

El lenguaje visual, a diferencia de otros tipos de lenguaje, posee sus propias características:
Es de carácter universal pues su código es directo y de fácil interpretación, su mensaje traspasa fronteras de ahí su importancia en un mundo cada vez más globalizado.
Puede ser intencional si es emitido por el hombre. Por ejemplo: las banderas de colores que califican el estado del mar en las playas.
Puede ser casual si está fuera de su control. Por ejemplo: la imagen en el horizonte de un tornado acercándose

ELEMENTOS DE LA COMUNICACIÓN VISUAL

Cuando hablamos de comunicación visual no podemos limitarnos a un único tema, ya que el concepto comunicación visual puede ser tratado desde varias perspectivas. En este proceso intervienen los siguientes conceptos clave:
Emisor: quien emite el mensaje.
Receptor: quien recibe el mensaje.
Mensaje: lo que se trasmite.
Código: conjunto de normas y procedimientos que relacionan significantes con significados
Canal: soporte a través del cual se trasmite el mensaje (periódicos, tv, cine…).

jueves, 26 de mayo de 2016

DIBUJO ARTÍSTICO

Dibujo artístico es la disciplina del trazado y delineado de cualquier figura, abstracta o que represente un objeto real, como forma de expresión gráfica. Desde la Prehistoria ha funcionado como lenguaje alternativo de ámbito universal que permite la transmisión de información, sean ideas, descripciones o sentimientos.
Entre los elementos básicos de un dibujante artístico pueden citarse los que componen el siguiente proceso:




APUNTE: es el dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo que se va a dibujar. Es útil cuando se dibujan si exteriores o figuras en movimiento.

BOCETO: es la prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el encuadre, la composición, qué elementos se incluyen…

ENCAJADO: son las líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o borran después) que sirven como base del dibujo.


LÍNEA: es el dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo más general y después el detalle.

VALORIZACIÓN: para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más oscuras. Las zonas de luz se pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o similar.

COLOR: un dibujo puede llevar color, en especial si está destinado a ser una ilustración (dibujo que acompaña a un texto en libros, carteles, etc.). El color se puede aplicar con varias técnicas: acuarela, tinta, lápiz de color, ordenador... El color puede ser plano (homogéneo) o con textura (apariencia irregular que se puede conseguir con el material, el papel, la técnica, etc.).

CORRECCIONES: los errores se pueden corregir, borrando, cubriendo una zona del dibujo con pintura o un trozo de papel y dibujando sobre él, o escaneando el dibujo y modificándolo en un programa de retoque fotográfico (ej.: Photoshop). Con estos programas de retoque se pueden eliminar, añadir o resaltar cosas, mejorar contrastes y colores.

Dibujo a mano alzada es decir, realizado sobre la marcha, sin correcciones, por viajeros, exploradores, científicos. A este tipo de dibujos se les conoce como cuadernos de campo, de los que ya fueron maestros Leonardo da Vinci o Alberto Durero, o en épocas más recientes, Wilhelm Filchner o Julio Caro Baroja.

PROPORCIÓN: la proporción en el dibujo es muy importante, ya que dará al objeto representado la armonía necesaria al relacionar todos los elementos. Un consejo útil y práctico al momento de realizar el encuadre del dibujo.

LIBROS DE DISEÑO GRÁFICO PARTE 8


Muy interesante recopilación de Libros de diseño Gráfico para que descarguen 
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Siempre deberíamos tener un libro que nos gustara mucho para leerlo en nuestros tiempos libres, ya que leer sobre temas muy relacionados con los que nos apasiona o con el área en que trabajamos ayuda a educarnos intelectualmente, hace que nuestro cerebro empiece a analizar y reflexionar creando en nosotros un pensamiento conceptual y de análisis sobre las temáticas de diseño que nos apasionan.


36) Libro introducción a la tipografía
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37) Libro Psicotypo psicología tipográfica
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38) Libro diseñar para los ojos
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39) Libro comunicación escrita
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40) Libro rojo, cómo y cuánto cobrar diseño

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FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA

En la fotografía pública, se utiliza un amplio drama de técnicos especialistas con el fin de que las imágenes serán atractivos para el consumidor, y así ser un elemento de menor influenza sobre el televidente.

La fotografía sirve como inspiración e influye en las ideas políticas y sociales de la gente. Por ellos alrededor de 1920 se empezó a utilizar como un componente más de la publicidad.



La creación publicitaria se vio apoyada por nuevos software y entró con fuerza la post producción, de hecho antiguamente las fotos "publicitarias" eran las llamadas de " arte final", ya que eran realizadas de una vez o retocadas con aerógrafo sobre la emulsión, trabajo de por sí para expertos. La fotografía también sigue las nuevas tendencias que impone la moda y el cine, el uso de lentes o tendencias de "color". 

Con la llegada de las cámaras digitales, se empieza a perder lo que en esencia es la foto profesional (formato medio, cámara técnica) tomas realizadas con película tradicional (negativo, diapositiva), aunque los grandes fotógrafos siempre usan formatos grandes, por la calidad final y si además son digitalizadas en scanner de alta resolución, los resultados son fabulosos.

La fotografía publicitaria difiere del resto de los géneros fotográficos por varios motivos. Su funcionalidad le exige una adaptabilidad a los intereses comerciales que tienen por finalidad el aumento de las ventas o servicios. Si el anunciante consigue aumentar el número de ventas es cuando se valora positivamente la capacidad publicista de la fotografía. 


La fotografía publicitaria, por otro lado, no está comprometida con la realidad como, por ejemplo, la fotografía de prensa. Es decir, la fotografía publicitaria muchas veces se inspira en la realidad pero lo que nos representa por medio de sus imágenes es una realidad construida. A diferencia de otros tipos de fotografía, donde el fotógrafo tiene que estar alerta para obtener la instantánea, la fotografía publicitaria construye la escena exactamente igual que en el cine de ficción, y el fotógrafo se limita a captar la escena valiéndose de las técnicas de iluminación y fotográficas. En el caso de que el fotógrafo no obtenga la imagen diseñada en el primer disparo tendrá más oportunidades, tantas como hagan falta.

martes, 24 de mayo de 2016

ILUSTRACIÓN DIGITAL

La ilustración digital es aquel trabajo de ilustración gráfica que ha sido creado usando tecnologías informáticas. Para ello el ilustrador usa ordenadores u otros dispositivos electrónicos con herramientas que le permiten dibujar como ratones, lápices ópticos, tabletas gráficas o pantallas táctiles, además de programas adecuados que le permiten crear una imagen que se guarda en un dispositivo digital de almacenamiento. No consiste en corregir una imagen o digitalizar y editar dibujos creados previamente con técnicas gráficas analógicas sino de crear directamente una imagen, si acaso tomando un boceto como punto de partida, en el entorno digital.



Hoy en día lo digital se ha vuelto algo natural, adentrándose en el arte como un nuevo lenguaje de expresión. La tecnología digital ha abierto nuevas posibilidades al artista, que no ha dudado en utilizar. Adoptándolas como punto de partida para crear sus obras.

La Ilustración digital se utiliza en casi todos los aspectos de diseño gráfico. Tanto para el diseño de web y software, como en la creación de carteles, camisetas, animación, y anuncios. Y pese a ello, ocasionalmente también suele mezclarse con las técnicas tradicionales, sobre todo en los libros y los cómics. También encontramos ilustraciones 3D, realizando un boceto previo, ilustración en 2D y renderizado en 3D. La manipulación de imágenes también está dentro del mundo de la ilustración, ya que combinan fotografías con ilustración sobre todo vectorial.

PROGRAMAS MÁS UTILIZADOS

Los principales programas que trabajan con mapas de bits son: Adobe Photoshop, Corel Photo-Paint, Macromedia xRes o Microsoft PhotoDraw, entre otros.
Los principales programas que trabajan con vectores son: CorelDraw, Adobe Ilustrador, Xara Xtreme, Adobe Fireworks, o SK1.
Programas de licencia libre, y los más parecidos a Photoshop e Ilustrador: Gimp e Inkscape.

TIPOS DE SOFTWARE

Hay dos tipos de herramientas digitales:

Mapas de bits: El contenido se almacena digitalmente en filas y columnas fijas de píxeles, que se pueden crear en capas separadas para facilitar el aislamiento y la manipulación de diferentes partes de la imagen. Una imagen de mapa de bits contiene información sobre el tono de cada píxel (color), la luminancia (brillo) y saturación (intensidad del color). Se utilizan en gran medida en el retoque fotográfico. 

Vectores: La vectorización, al contrario que el mapa de bits, no trabaja con píxel. Por lo que suelen crear líneas precisas, formas y patrones, con bordes bien definidos y son excelentes para trabajar con construcciones complejas como mapas y tipografía. Este formato, permite la rasterización.